Chroniques en images Archives - Le Blog du NéoprogLe Blog du Néoprog

Neal Morse & The Resonance – No Hill For A Climber

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Avez-vous lu le livre ‘On m’appelle Demon Copperhead’ de Barbara Kingsolver ? Non ? Moi non plus. Mais Neal Morse en a fait un album intitulé No Hill For A Climber alors voilà. Pas certain qu’il ai lu le livre lui aussi. Parce qu’il avait déjà fait le coup avec le bouquin Pilgrim’s Progress dont il n’avait parcouru qu’un résumé avant de composer un double album. Peut-être qu’il n’aime pas lire ? Peu importe.

Le roman parle d’un gamin digne des personnages de Dickens qui va être confronté aux pires épreuves de la vie dans une Amérique contemporaine peu reluisante. Voilà pour l’histoire.

Le disque comprend cinq morceaux dont deux de plus de vingt minutes. Du Neal Morse quoi. Oui mais sans ses copains habituels. Pas de Neal Morse Band, mais le Neal Morse & The Resonance. Même son pote Mike Portnoy n’est pas derrière les fûts, c’est dire. A la place plein de gens inconnus (enfin pour moi) .

Mais rassurez-vous, cela ressemble bien à du Neal Morse, pas de doute.Il a même trouvé une voix au timbre et à la tessiture relativement similaires à ceux d’Eric Gillette pour le seconder. Par contre je ne sais pas s’il s’agit de Johnny Bisaha ou bien Chris Riley.

Ma première impression face à ce mastodonte de plus d’une heure, est qu’arrivé à la fin du quatrième morceau, ‘Ever Interceding’, j’ai besoin d’une pause avant d’attaquer la presque demie heure de ‘No Hill For A Climber’. Pourtant j’en ai écouté des longs albums cette année.

Mais Neal Morse avec ses claviers quasi symphoniques, son côté pompier et son emphase naturelle a tendance, même si je l’aime pour cette raison, à en faire toujours un peu trop. Il faut dire que vous allez entendre des cloches, du trombone, de la trompette, du violon, de l’alto, du violoncelle, du buggle, du tuba plus tous les instruments habituels d’une formation de rock progressif symphonique. Ça fait pas mal de monde tout ça, dix musiciens en fait.

Après il y a tout de même trois ‘petites’ pièces de cinq à six minutes pour alléger le programme. Des titres où Neal Morse sort un peu du prog grandiloquent pour s’essayer à d’autres choses comme dans ‘Thief’ que je trouve tout particulièrement savoureux d’autant qu’il navigue entre deux mondes. J’aime également beaucoup ‘Ever Interceding’ même si je lui trouve un petit air déjà entendu.

Quant aux deux monstres qui encadrent ces trois morceaux plus raisonnables, c’est du grand Neal Morse, prévisible et si bon lorsque l’on aime le genre.

Bref No Hill For A Climber est un classique de bonne facture mais sans grande surprise sorti des nouveaux musiciens. Les fans du fondateur de Spock’s Beard apprécieront, les autres, ben ça dépendra.

IOTUNN – Kinship

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Je suis toujours content lorsque je tombe sur un groupe dont mon ami et mentor Stéphane Gallay n’a pas parlé. Cela s’appelle le début de l’émancipation. Bon il y a encore du boulot d’autant que j’ai piqué l’idée de ce nouvel album à Alice de Bandcamp. Donc je n’ai pas beaucoup de mérite.

IOTUNN est un groupe de metal venu de Copenhague que je classerai volontiers dans le rétro metal progressif même s’il y a du growl ici où là. Ils existent depuis 2015 et sortent seulement leur second album cette année.

Kinship propose huit morceaux pour plus d’une heure de musique dont deux pistes de plus de dix minutes.

Une fois n’est pas coutume, ce sont les guitares de Jesper et Jens Nicolai qui m’ont séduite. Un jeu assez old fashion à la frontière du heavy metal qui a remué une vague de nostalgie chez moi. Bon j’avoue, le chant calme de Jon au début de premier titre n’a pas été étranger au fait que j’écoute le disque et le voilà maintenant sur la table de dissection de Chroniques en Images.

Kinship n’a rien de franchement révolutionnaire soyons clairs mais les compositions surfent sur plusieurs mouvances et proposent un contenu agréable et varié. Pour pimenter le tout, il se pourrait bien que nous ayons affaire à un concept album. Mais sans les paroles et plus d’information je me risque un peu à l’affirmer.

La musique est relativement grandiloquente avec un chant qui en rajoute une couche et des guitares qui en font des tonnes. Toutefois IOTUNN se pose de temps en temps pour nous laisser respirer, le temps d’une ouverture comme avec ‘Kinship Elegiac’, d’un couplet dans ‘I Feel The Night’ ou bien pendant plus de cinq minutes sur le titre acoustique ‘Iridescent Way’. En plus de ce titre folk médiéval sorti de nulle part il y a également une autre bizarrerie avec ‘Earth In Sky’ qui joue avec des claviers électro fête foraine d’un autre âge.

Après plusieurs écoutes, j’ai enfin mis le doigt sur ce qui me plaisait dans Kinship. L’album me fait beaucoup songer à The Visitor du groupe Arena même si avec le recul, je me rends bien compte que cette comparaison est un peu abusive.

Kinship est un album où le growl prend quand même pas mal de place tout de même. Si vous aimez le power death metal progressif un peu vintage, je vous encourage vivement à écouter cet excellent album.

C’est une belle découverte.

FROST* – Life In The Wires

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Sérieusement, êtes-vous prêt à écouter quatre-vingt-six minutes de musique non stop ? Parce que le dernier album de FROST* fait justement cette durée. Un monstre de quatorze titres intitulé Life In The Wires.

Je n’avais pas été tendre avec leur précédent opus Day And Age que je n’écoute plus depuis sa sortie. Alors quand le nouveau FROST* s’est annoncé, je me suis lancé dans une exploration plus que circonspecte des morceaux, cherchant la petite bête qui m’agacerait pour ne pas l’acheter.

Bon si je vous en parle aujourd’hui, vous vous doutez bien de ce qui est arrivé. Je ne lui ai pas trouvé le moindre défaut, même pas sa longueur, pire je l’ai adoré et du coup je l’ai commandé en édition vinyle rouge transparent après une première écoute.

Je rapproche beaucoup et sans doute pour de mauvaises raisons Life In Wires de Experiments In Mass Appeal sorti quatorze ans plus tôt. Sans surprise FROST* fait du FROST*. On reconnaît immédiatement la signature musicale du groupe, ses choix rythmiques et les voix complémentaires de Jem et John. C’est d’ailleurs peut-être ce qui m’a tout d’abord séduit sur ce nouvel album.

Mais sorti des similitudes, il y a aussi les nouveautés comme ce ‘Strange World’ bien nommé où le long ‘Life in the Wires, Pt 2’.

C’est aussi un album très instrumental ce qui le rend plus digeste sur la durée et dans lequel s’incrustent de nombreux extraits sonores radiophoniques vintages. Vous entendrez même des passages symphoniques comme dans ‘Sign of Life’ ainsi qu’une pièce au piano intitulée ‘Absent Friends’.

Life In The Wires est un concept album qui parle de Naio un jeune homme qui fête son vingt-et-unième anniversaire et du mystérieux Mr Lifewire dont la voix radiophonique hante les pistes de l’album. Une histoire d’un monde à la Big Brother dirigé par The Eye, une intelligence artificielle qui surveille les habitants et dont le jeune homme tente de s’enfuir. Il part à la recherche de la mystérieuse voix de Lifewire qu’il a entendu sur un vieux poste radio donné par sa mère.

La musique oscille entre délicates dentelles et accélérations aux dérapages très contrôlés. Des morceaux maîtrisés et cérébraux qui prennent tout de même aux tripes à chaque écoute.

« Life In The Wires est un des meilleurs albums de FROST* et sans doute un des meilleurs albums de l’année 2024 ». Ce n’est pas moi qui l’écrit mais le magazine Progressive Music Planet et je suis d’accord avec eux. Cet album est brillant et tout simplement brillant. Du coup je vais devoir peut-être réviser mon top trois de l’année.

Foncez l’écouter, il est indispensable.

ILHO – UNION

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Union, un album sorti en 2019, vient de s’offrir une cure de jouvence cette année avec une édition remaster comprenant également deux titres live.

Derrière le disque se cache un trio britannique qui était encore totalement inconnu à mes oreilles jusqu’à la découverte de Union. Ilho, ainsi se nomme le groupe, semble préférer jouer en live que de s’enfermer en studio pour composer au vu de leur discographie minimaliste. Ils proposent une musique pop metal progressive électro un peu à la manière des australiens de Voyager.

Union est leur premier et unique album à ce jour, sept titres dont une piste d’un quart d’heure.

Dans l’incroyable diversité des albums étiquetés metal progressif sur Bandcamp, c’est la pochette aux couleurs aquarelles qui a attiré mon regard et l’écoute du premier morceau ‘Union’ m’a convaincu d’aller plus loin. Il faut dire que la voix du chanteur et claviériste Andy Robinson m’a tout de suite séduite, passant sans effort de la douceur au quasi scream.

Ilho n’invente pas la roue ni le fil à couper le beurre avec Union mais ne perdons pas de vue qu’il s’agit de leur premier album. Une basse aux motifs parfois djent répond à des guitares lumineuses, des claviers électros, un chant clair agréable et une batterie nerveuse manifestement programmée.

Le groupe est avare en sections instrumentales sorti de quelques intros et finals. Le titre ‘Coalescence’ du haut de ses quinze minutes et quinze secondes fait exception avec deux longues digressions instrumentales aux claviers à la Blade Runner et à la rythmique très prenante. Certainement le sommet de cet album même si les autres morceaux sont loin d’être anecdotiques.

Les deux captations live enregistrées au ProgPower en février 2024 prouvent, si besoin était, que le groupe tient parfaitement la route en public. Deux morceaux de Union revisités en version longue pour l’occasion.

Union est un album d’une rare fraîcheur, une caractéristique des jeune pousses pas encore usées par le système et qui donnent souvent de fabuleuse prestation live. En attendant que Ilho reviennent avec un nouvel album, je vous recommande chaudement cette réédition.

Un groupe à suivre.

Ticket to the Moon au Z7

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Je suis en contact avec Guillaume du groupe Ticket to the Moon depuis leurs débuts. Lorsqu’ils jouent dans le coin, Guillaume ne manque pas de m’inviter en échange de quelques photographies.

Ils ouvraient le dimanche 20 octobre pour la seconde fois pour le groupe Lazuli dans la salle de Z7 près de Bâle en Suisse, à une heure et demi de route de la maison. Et cela tombait bien, j’étais en vacances. Alors malgré un dos en compote de pommes et d’autres misères de vieillard plus ou moins inquiétantes, j’ai préparé mon sac photo et suis parti chez les helvètes.

Arrivé sur place vers 18h – le concert démarrait à 19h – je tombais sur Claude, Romain et Vincent du groupe Lazuli qui trainaient près de leur camionnette de tournée et sur Guillaume dans la salle du Z7. Grace à lui j’avais en poche mon précieux sésame photographique pour la soirée.

Dans la salle il n’y avait pas la foule des grands soirs, il faut dire qu’avec un billet à près de cinquante euros sans parler du parking à dix, il y avait de quoi refroidir quelques ardeurs (je précise, ce billet de blog est sponsorisé, j’ai été invité ce qui ne m’a pas empêché de débourser quinze euros, le prix du parking et une participation lorsque l’on est invité). J’ai estimé la jauge à environ un quart de la capacité de la salle.

Sur place j’ai retrouvé mon ami Jean-Blaise qui est presque de tous les concerts suisses ainsi que deux autres photographes venus couvrir l’évènement avec qui nous avons pu parler comète.

A 19h, heure suisse, le trio de Ticket to de Moon montait sur scène jouer leur dernier album et même nous livrer un titre inédit qui figurera sur leur prochain EP. Pour l’occasion ils captaient leur concert avec plusieurs caméras. Il est donc possible que prochainement nous ayons les images et le son de cette soirée.

Ticket to the Moon c’est toujours bon. Un jeu au clic faute de claviériste mais les gars savent y faire (ils répètent ensemble toutes les semaines). Leur set est énergique et dynamique, il faut dire qu’à trois sur scène ils ont de la place pour bouger d’autant que le batteur reste sur son tabouret. Ils nous jouent un titre acoustique tiré d’un album plus ancien, c’est à ce moment que j’aurais l’idée d’utiliser les miroirs de la salle pour photographier la scène comme dans un cadre. Parce qu’il faut bien l’avouer, avec un dos en bouillie, les acrobaties habituelles de la photo de concert me sont déconseillées. Ouille !

Les photos de Ticket to the Moon sont ici.

Après une rapide mise en place Lazuli se lance à son tour. Bon, on ne va pas se mentir, ils semblent fatigués et peut-être déçus de jouer devant un si petite audience. Les personnes qui ne les avaient jamais vu en live sont tout de suite conquises car le groupe est solaire. Ils nous jouent, dans une épaisse fumée (non ce n’est pas un nouveau titre, c’est moi qui râle car je galère avec les appareils) des titres du dernier album, de Dieter et d’autres. J’entends même un morceau dont je n’ai pas souvenir. Vieillerie ou nouveauté ? Impossible à dire d’autant que Domi parle en Allemand, langue incompréhensible à mes oreilles comme à celle des allemands présents dans la salle… Ils finissent après un premier rappel par la marimba à neuf mains, un classique que je n’avais pas entendu depuis longtemps.

Même si c’était très bien, je ne suis pas forcément rentré dans le concert. La faute aux photos, au dos, à la fatigue et l’humeur du jour sans doute. Ce n’est pas de leur faute, c’est de la mienne. J’ai plus apprécié le concert de musique classique américaine de vendredi soir. L’âge peut-être…

Les photos de Lazuli sont ici.

Bref. Je suis reparti quand même heureux, plein de musique dans la tête, quelques images dans les appareils photos et avec le souvenir des rencontres toujours agréables. Merci à Guillaume, Ticket to the Moon, Lazuli et le Z7. Cette salle reste définitivement celle que je préfère dans la région. Dommage qu’elle soit si loin, j’y établirai bien mes quartiers.

Mother of Millions – Magna Mater

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Je connais le groupe grec Mother of Millions depuis l’album Sigma en 2017. Et si vous vous souvenez bien, leur précédent EP Orbit sorti il y a deux ans m’avait fait forte impression.

Ils reviennent ce mois-ci avec Magna Mater, un album neuf titres d’un peu moins de quarante cinq minutes.

Clairement ce n’est pas la pochette de cette reine brune déguisée de rideaux pastels qui m’a vendue l’album. Il y a peut-être un message caché dans l’image, dans ce cas je ne l’ai clairement pas compris. Je ne vois pas Cybèle la mère des dieux dans ce déguisement ridicule.

Par contre la musique est des plus réussie. Ici le djent côtoie le symphonique, l’électro, le cinématique et plusieurs voix dont une féminine se rencontrent sur les morceaux.

Le groupe considère à raison qu’il s’agit de son album le plus intense mais aussi le plus pêchu de leur carrière. C’est vrai que l’on s’éloigne du post rock pour aborder des rivages post metal progressifs plus intenses.

Magna Mater donne le ton dès les premiers titres ‘Inside’, ‘Feral’ et ‘Magna Mater’ qui lancent des charges lourdes mais n’oublie pas également de faire vibrer notre corde sensible avec du chant débordant d’émotion et des passages épurés au piano comme dans ‘Space’. ‘Magna Mater ‘ ose même le growl, chose pour le moins inhabituelle chez Mother of Millions.

La musique de ce nouvel album n’est pas sans rappeler Leprous comme dans ‘Liminal’ même si la performance vocale n’est pas forcément du même niveau. D’ailleurs, en parlant de chant, il y a celui de ‘Celestial’ qui me chagrine un peu. Il semblerait que le lead ne soit pas tout à fait au diapason de la trentième seconde à la fin de la première minute.

‘Irae’ qui est au passage le titre le plus long de l’album avec un peu plus de six minutes, donne dans le post-metal cinématique symphonique grandiose. Après quatre minutes vocales lentes et solennelles portées par quelques claviers, guitares et percussions, le morceau gagne en puissance pour culminer dans les dernières secondes.

‘Space’ qui conclue l’album est quasiment son négatif. Une partition piano et guitares toute simple agrémentée d’une petite ritournelle pour enfants en guise de refrain. Un titre qui contraste beaucoup avec le reste de l’album nettement plus pêchu et qui permet de sortir en douceur de la musique.

Si Magna Mater n’est pas follement original, il se rapproche trop de Leprous ou de Earthside pour cela, c’est un magnifique album qui prouve la fabuleuse progression musicale du groupe depuis leurs débuts.

Il s’agit de leur plus bel album à ce jour même si le groupe a peut-être perdu un peu de son identité originelle au passage en devenant plus mainstream. Ne passez pas à côté, d’autant que vous pouvez le découvrir sur Bandcamp par exemple.

Je taille des shorts

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Non non, rassurez-vous, je ne vais pas vous raconter comment je mets en boite mes collègues, encore que cela pourrait être drôle.

Je vais juste vous parler du nouveau format de vidéos que je publie sur YouTube en complément des chroniques hebdomadaires. On appelle cela des shorts comme court mais je suis certain que vous connaissez déjà le format.

L’objectif premier est de toucher plus de personnes. Ensuite il s’agit un média qui va me permettre de parler brièvement des trucs que j’écoute et surtout je trouve ça amusant.

Je n’ai pas l’intention de faire quelque chose de sophistiqué. Je me filme avec l’iPhone sur un fond sonore en mode vlog. Pas de montage, pas d’éclairage, pas de script, un truc filmé à l’arrache à l’endroit où je me trouve quand une idée me passe par la tête ou que je tombe sur un album sympa.

Je ne dis pas que c’est capté du premier coup, car il me faut toujours plein de prises parce que je suis toujours aussi doué devant une caméra et un micro. Et puis c’est pas évident de tenir un iPhone et de cadrer en même temps que s’enregistrer. Bref vous ne voulez pas savoir de combien de prises j’ai besoin pour obtenir 15 malheureuses secondes de vidéo minable. Mais on s’en fou. C’est drôle.

Ces shorts me permettront d’annoncer la prochaine chronique du lundi, de vous présenter un groupe ou un album et de m’exposer encore plus sur Internet. J’espère que vous aimerez le format. On se retrouve sur YouTube très bientôt. Bisous !

Haven Of Presence – Memento Vivere

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Andreas Hack est un multi-instrumentiste allemand, un des membres fondateurs du groupe Frequency Drift avec la harpiste Nerissa Schwarz. Après un dernier album en 2018 intitulé Letters To Maro, qui est pour moi certainement leur chef d’œuvre absolu, chacun a suivi son propre chemin.

Nerissa Schwarz a continué à sortir des albums solo et Andreas a lancé deux projets : Feeling Of Presence et Haven Of Echoes. Ce dernier vient de sortir son second opus intitulé Memento Vivere cette année. Un album quatre titres qui tient sur un seul vinyle.

Haven Of Echoes est le projet d’Andreas et de Paul Sadler du groupe Spires avec Nerissa à la harpe et Wolfgang Ostermann à la batterie. Du rock progressif atmosphérique dont le premier disque The Indifférent Stars ne m’a pas marqué plus que cela.

D’après Andreas, Memento Vivere est son meilleur album à ce jour, c’est lui qui l’écrit, pas moi. A mon humble avis Letters to Maro le surpasse, mais ce n’est que mon avis. Ceci dit Memento Vivere mérite que l’on s’attarde dessus.

J’ai parlé de quatre morceaux au début, deux de huit minutes, un de quatorze et un de dix-sept qui ouvre l’album. Difficile de faire plus progressif.

La voix de Paul Sadler à la très large tessiture m’enthousiasme autant qu’elle m’agace. Par moment le chant est tout simplement magique et de temps en temps, ben elle me fatigue. Je suis tenté de dire que par moment Paul en fait tro principalement lorsqu’il part dans les hauteurs.

Les compositions sont par contre magnifiques. Andreas livre des passages de guitares à tomber par terre avec un dosage parfait de claviers et la harpe de Nerissa qui apporte une touche magique aux compositions. Cela rappelle inévitablement Frequency Drift et c’est sans doute pour cela que vous voudrez découvrir l’album.

Les passages les plus beaux sont pour moi également les plus sombres. Mon morceau préféré est le troisième ‘It Walk Among Us’ qui possède de nombreuses sections dramatiques comme je les aime et cerise sur le gâteau, Paul opte souvent pour un chant médium nettement moins théâtral. ‘Assimilation’ a également mes faveurs, surtout pour son final quasi scream qui possède une très grande force évocatrice.

Memento Vivere séduira probablement les nostalgiques du groupe Frequency Drift même s’il lui manque une chanteuse aussi charismatique que la fabuleuse Irini Alexia. Pour les autres, écoutez, vous apprécierez certainement les compositions de Andreas.

Il existe en CD, vinyle et digital et vous pouvez l’écouter et l’acheter sur Bandcamp.

Nightwish – Yesterwynde

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C’est la première fois que je vais parler d’un album de Nightwish dans les Chroniques en Images. Ceci dit, ce n’est pas le premier que j’écoute fin de là. Il faut dire que depuis que Floor Jansen tient le micro, le groupe est devenu nettement plus séduisant à mes oreilles.

C’est en butinant sur Bandcamp que j’ai appris la sortie de Yesterwynde et comme j’avais bien aimé Human II Nature comme l’album solo de Floor, j’ai commencé à l’écouter.

Yesterwinde ce sont douze pièces de choix dont un poids lourd de presque dix minutes pour plus d’une heure de metal électro folk symphonique cinématique.

Musique celtique, orientale, orchestrale, atmosphérique, cinématique, chœurs et metal se partagent ces soixante et onze minutes épiques et intimistes façon coiffure de Marie Antoinette avant qu’on la décapite.

Certains trouveront cela too much, surtout sur une telle durée, moi je trouve que c’est la bonne longueur.

L’album a été composé pendant la COVID-19, à distance, et d’après les dires de Floor, il est plein de good vibes si j’ai bien compris.

C’est surtout un album d’une immense richesse musicale qui ressemble parfois à la B.O. d’un film à grand spectacle et qui nous surprend avec des passages plus intimistes.

D’ailleurs tout commence par ce qui ressemble au bruit d’un projecteur de cinéma avant une ouverture qui mêle musique irlandaise, messe catholique et musique classique.

Malgré mon enthousiasme presque sans limite pour cet album, il y a un morceau qui me refroidit à chaque écoute : Il s’agit de ‘The Day Of…’ avec ses chœurs de jouvencelles à la limite du diapason qui font un peu tâche au milieu d’une production très soignée.

Dans les morceaux qui me font chavirer à chaque écoute, il y a le magnifique ‘Lanternlight’ au piano et violons chanté à deux voix. J’avoue que c’est du grand classique mais je trouve la partie piano particulièrement inspirée pour ce genre de musique.

Il y a aussi ‘Hiraeth’ également chanté à deux voix où Troy me fait penser à Leonard Cohen. Une pièce qui débute tout doucement et qui se poursuit à la manière d’un folk metal irlandais grandiloquent.

‘An Ocean Of Strange Islands’ résume assez bien l’album. Ouverture à la harpe, poutrage de metal symphonique, refrain solaire, break orchestral, chœurs à la Carmina Burana et long final instrumental au bagpipe. Neuf minutes et vingt-six secondes éblouissantes et puissantes pendant lesquelles je ne m’ennuie pas un instant.

‘Sway’ est également un titre délicieusement folk symphonique qui évoque des paysages enneigés, une parenthèse de douceur coincée entre des pièces disons plus mouvementées.

Yesterwynde ne va pas révolutionner la face du monde mais croyez moi, c’est un magnifique album que j’écoute en boucle, en musique de fond ou au casque selon mon humeur. Je vous le recommande chaudement et s’il ne sera pas l’album de l’année parce que vous savez déjà pourquoi, il mérite de figurer dans mon top ten.

Oceans Of Slumber – Where Gods Fear To Speak

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Le même jour, je recevais les albums de Blind Ego, Kalandra et Oceans of Slumber. Une promo, une précommande et la sortie officielle de Where Gods Fear To Speak. Autant dire une belle journée.

Mais je ne vais pas vous mentir, j’ai un petit faible pour le groupe américain Oceans of Slumber, alors c’est eux dont nous allons parler aujourd’hui.

Les voici de retour avec Where Gods Fear To Speak, un nouvel album de dix titres dont une reprise de Chris Isaak et cinquante six minutes trop vites écoutées. Et si leur précédent opus Starlight And Ash manquait de contraste, celui-ci corrige le tir car ici growl et chant clair s’affrontent ouvertement sur des compositions blockbusters.

Entre le piano de Dobber et la voix de Cammie il y a déjà matière à se mettre sous l’oreille mais comme le prouve le précédent album, cela ne suffit pas forcément et le retour en force de la basse de Semir, les guitares des deux Chri, la batterie de Dobber et le growl de Cammie redonnent toute sa puissance au metal prog des américains.

Progressif car chaque morceau est une histoire à tiroirs. Des forts contrastes allant du piano à la guitare acoustique jusqu’au chant acapella qui s’illustrent tout particulièrement sur le titre ‘Don’t Come Back From Hell Empty-Handed’ long de plus de huit minutes.

Métal car ça poutre quand même sauvagement par moment comme dans le titre qui donne son nom à l’album ‘Where Gods Fear to Speak’.

Les ouvertures des morceaux sont particulièrement inventives, du chant acapella de ‘Wish’ au piano de ‘I Will Break The Pride Of Your Will’ en passant par les sons électros de ‘The Given Dream’ où les claviers de ‘The Impermanence Of Fate’.

La colère des dieux semble s’exprimer par le growl caverneux de Cammie. Des dieux qui soumettent les fidèles et qui promettent du vent. Un album où la chanteuse règle ses comptes avec la religion dans laquelle elle a baigné toute son enfance. Sa mère était Témoins de Jéhovah.

Inutile de dire que j’adore cet album. Mes coups de cœur vont au plus long morceau ‘Don’t Come Back From hell Empty-Handed’ à la construction des plus progressives ainsi qu’au plus court, ‘The Given Dream’ à l’émotion à fleur de peau. Mais je salue également au passage ‘Wicked Game’, la magnifique reprise de Chris Isaak.

De là à en faire un des candidats à l’album de l’année, il n’y a qu’un pas, que je ne franchirai pas, car cela fait des mois que mon choix est fait, et il faudrait vraiment un tsunami pour que je change d’avis.